Цветомузыка что такое: Цветомузыка

Цветомузыка

Главная / Цветомузыка

Цветомузыка — это современные технические инструменты для шоу. Цветомузыка создаётся благодаря светомузыкальным инструментам, в сочетании со звуковым оборудованием, которые позволяют обеспечить яркое восприятие любого рода контента.

Цветомузыка

Вообще, цветомузыка – это сочетание программных и аппаратных световых средств, способных обеспечить создание эффектов для единого восприятия цвета и звука. Использование таких светомузыкальных инструментов делает процесс прослушивания музыки более запоминающимся и ярким, а грамотно подобранное звуковое сопровождение обеспечивает лучшее восприятие визуального материала.

Цветомузыка

Цветомузыка начинает свою историю задолго до изобретения первых технических приборов. Музыканты всегда стремились произвести яркое и запоминающиеся впечатления используя при этом все подручные средства. Естественно, что первым помогало для цветомузыкальных представлений была сама природа. Восходы и закаты солнца всегда актуальны для музыкального сопровождения.

Цветомузыка или светомузыка

Видимо, поэтому сегодня есть некое разделение на светомузыку и цветомузыку. Светомузыкальное представление видится естественным явлением, где свет — это органический источник, а музыка дополняет и гармонизирует натуральные частоты. Цветомузыка — это более технический термин, который подразумевает строгое использование цвета и его вариаций с помощью технологий, в большинстве цветомузыкальных шоу есть строгий сценарий, который не терпит отклонений. Трудно сказать, какой из видов представлений предпочтительней, поскольку оба этих термина имеют физическую природу.

светомузыка

Светомузыка — одно из современных направлений шумовой музыки, где свет используется в качестве ввода информации для синтезаторов и контроллеров. Обычно используют датчики света, которые подключены к звуковым инструментам. Шоу проходит в тёмном помещении поэтому эффект от светомузыки гораздо сильней.

Cветомузыка

Светомузыкальные музыкальные инструменты — это большая редкость, они продаются штучными экземплярами и стоят недёшево. Вы можете самостоятельно собрать подобный инструмент или его аналог сэкономив при этом средства, изучив музыкальные и физические приборы.

Как Александр Скрябин открыл миру светомузыку

Философ и музыкант Александр Скрябин был человеком разносторонним: попытки соединить несколько видов искусства в единое целое привели к созданию светомузыки. Именно ей, основанной на способности человека ассоциировать звук с цветом, музыкант посвятил большой период своего творчества. Александр Скрябин стал первым, кто в истории мировой музыкальной культуры совместил в одном произведении звук, цвет и свет.

Что такое «цветной слух»

В конце XIX века музыкально-цветовой синестезией ученые называли разновидность хроместезии или «цветного слуха», то есть особенности, при которой музыкальные звуки вызывают у человека определенные цветовые ассоциации. «Цветным слухом» обладали многие музыканты: русские композиторы Н.А. Римский – Корсаков, А.А. Кенель и Б.В. Асафьев, литовский художник и композитор М.К. Чюрленис, француз О. Мессиан и австриец А. Шенберг. Каждый музыкант «видел» тональности, окрашенными по-разному. Например, у Б.В. Асафьева ре-мажор приобретал изумрудный оттенок, а у Н.М. Римского-Корсакова он был золотистым. Ре-бемоль мажор в представлении А.А. Кенеля был лимонно-желтым, в то время как Б.В. Асафьев изображал его красным, пылающим словно огненное зарево.

Система «раскрашивания» музыки у каждого композитора тоже была своя. Н.А. Римский – Корсаков делал музыку очень изобразительной, наделял ее «графической звукописью», основываясь на собственных чувствах и задумках, тогда как австрийский композитор Арнольд Шенберг сопоставлял краски с музыкальными тембрами различных инструментов симфонического оркестра.

Синтез искусств

Благодаря способности «цветного слуха», Александр Николаевич Скрябин создал собственную систему цветотональности, в которой обозначил до-мажор красным цветом, ре-мажор — желтым, соль-мажор — оранжево-розовым, а ля-мажор — зеленым. В специальной таблице композитора первые тональности полностью повторяли цветовую гамму радуги, остальные обозначались производными цветами.

Еще до создания своего первого светомузыкального произведения А.Н. Скрябин при описании музыки часто использовал световые метафоры. В одном из эпизодов Сонаты №3, созданной в 1898 году, автор «объяснял» музыку через выражение «здесь звезды поют». А ремарки «светоносно» и «мрачно» он применял в своей «Божественной поэме», которую писал с 1902 по 1904 года. Полностью воплотить замысел синтеза искусств композитору удалось в 1910 году в музыкальной поэме «Прометей» («Поэме огня»), которая стала первым светомузыкальным произведением в мировой истории.

Титульный лист партитуры «Поэмы огня», художник Жан Дельвиль. Из фондов Музея А.Н. Скрябина

Загадка световой строки

По замыслу А.Н. Скрябина, Прометей олицетворял собой символ творческого начала, образ ницшеанского «сверхчеловека», который на пути к идеалу преодолевает все трудности и препятствия. Александр Николаевич хотел визуально воссоздать в произведении «образ пламени» — некоего очистительного огня, способного привести человечество в царство счастья и красоты. И для этого композитор «изобрел» новые музыкальные средства выразительности — свет и цвет, которые воплотил в «световой строке».

Для исполнения поэмы «Прометей» нужны были оркестр, хор, орган, фортепиано и специальный световой аппарат. Последнему отводилась особая роль – воспроизвести партию света «Luce», в которой обычными нотами были записаны условные обозначения цветов. В партитуре произведения А.Н. Скрябин расписал «световую строку» для исполнения двумя голосами. Верхний голос был более подвижным и отвечал за смену гармонии. Нижний – за философскую составляющую. В световой строке также доминировали два цвета – фиолетовый и красный. Первый ассоциировался со сферой духа и нематериальным началом, второй выступал как его противоположность и обозначал материю. По задумке композитора, в конце партии света происходил выход за пределы материального мира, поэтому финал произведения был решен в фиолетовом цвете. А систему всего «Прометея» музыкант представлял в виде кольца «дух-материя-дух».

Трудности исполнения светомузыки

Первое исполнение «Прометея» состоялось в марте 1911 года в Москве под управлением дирижера Сергея Кусевицкого, за фортепиано сидел сам А.Н. Скрябин. Но на московской премьере для зрителей не сыграли «световую строку» – в последний момент Александр Николаевич сделал в партитуре «Поэмы огня» пометку: «Может исполняться без световой строки». Композитор объяснил это тем, что светомузыкальный аппарат не успели изготовить в срок, так как его устройство оказалось слишком сложным для воплощения.

Из-за отсутствия необходимой техники «Прометей» долгое время исполнялся как обычная симфоническая поэма. Однако близкие друзья Александра Николаевича все же могли увидеть «Поэму огня» с цветом и светом, но только в домашних условиях. По эскизам композитора его друг, профессор А.Э. Мозер, сконструировал модель светового аппарата «Прометей». Это был деревянный круг с двенадцатью разноцветными лампочками и кнопочной приставкой. Семь лампочек располагались в последовательности чередования цветов спектра, а остальные пять соединяли крайние спектральные цвета, обеспечивая переход от одного оттенка к другому. Этому кругу соответствовал квинтовый тональный круг, согласно которому каждая нота имела свой цвет. Световой круг А.Н. Скрябин подвесил к потолку в своем кабинете. Во время игры за кнопочной панелью сидела жена композитора Татьяна Шлецер и «сопровождала» фортепианные партии Александра Николаевича световыми эффектами.

Первый в мире светомузыкальный аппарат, созданный по задумке А.Н. Скрябина его другом, инженером А.Э. Мозером. Из экспозиции Музея А.Н. Скрябина

И все же такой световой круг был несовершенен. Во времена Скрябина использовались лампочки накаливания, которые изначально обладали желтым спектром, поэтому достичь нужного цветового оттенка было очень сложно. Более того, с помощью обычных лампочек невозможно было плавно «перевести» один цвет в другой, например, красный в желтый. Как и плавно изменить напряжение — заставить одну и ту же лампочку гореть или более тускло, или более ярко. Работа с домашним световым кругом создавала много проблем, поэтому было необходимо создать более совершенный световой аппарат, чтобы исполнять произведения не только в кругу друзей, но и для широкой публики.

«Прометей» со световой партитурой в исполнении академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии, Петербургского камерного хора, Концертного хора Санкт-Петербурга. Дирижер — Николай Алексеев, солист — Мирослав Култышев, художник по свету — Александр Кибиткин.

Материал подготовлен совместно с Музеем А.Н. Скрябина и МОСГОРТУРом.

Музыкальные цвета Тембр и качество тона

Тембр — это качество музыкальной ноты или звука, которое отличает различные типы звуковоспроизведения или музыкальных инструментов. Физические характеристики звука, которые опосредуют восприятие тембра, включают спектр и огибающую. Тембр также известен в психоакустике как качество звука или цвет звука .

Например, по тембру люди после небольшой практики могут отличить саксофон от трубы в джазовой группе, даже если они играют ноты одинаковой высоты и амплитуды. Тембр был назван психоакустическая многомерная мусорная корзина категории , так как она может обозначать многие явно не связанные аспекты звука.

…».Один из основных элементов музыки называется цветом или тембром (произносится «ТАМ-бер»). Цвет включает в себя все аспекты звука, которые не имеют ничего общего с тем, насколько он высокий или низкий, громкий или тихий, долгий или короткий. Другими словами, если флейта играет ноту, а затем гобой играет ту же ноту в течение того же промежутка времени и с той же громкостью, вы все равно можете легко отличить две ноты друг от друга, потому что флейта звучит иначе, чем гобой. . Эта разница и есть цвет звука. Тембр обусловлен тем, что каждая нота музыкального инструмента состоит из более чем одной звуковой волны.

Эти наборы звуковых волн, называемые гармониками, в основном одинаковы для всех инструментов. Небольшие различия в балансе этих волн — сколько вы можете услышать и насколько они громки по сравнению друг с другом — создают множество различных музыкальных красок. Гармоники в начале каждой ноты — атака — особенно важны для тембра, поэтому на самом деле легче идентифицировать инструменты, играющие короткие ноты с сильной артикуляцией, чем инструменты, играющие длинные, плавные ноты…»

Качество тона используется как синоним тембра

Цвет тона также часто используется как синоним. Люди, страдающие синестезией, могут видеть определенные цвета, когда слышат определенные инструменты. Гельмгольц использовал немецкое Klangfarbe (цвет тона), а Тиндаль предложил его английский перевод, clang tint. Но оба термина не одобрил Александр Эллис, который также дискредитирует регистр и цвет из-за их ранее существовавших английских значений (Эриксон).
Цвета оптического спектра обычно явно не связаны с конкретными звуками. Скорее, звук инструмента может быть описан такими словами, как «теплый» или «резкий», или другими терминами, что, возможно, предполагает, что цвет тона имеет больше общего с осязанием, чем со зрением.

Американская ассоциация стандартов определяет тембр как «[…] тот атрибут ощущения, с точки зрения которого слушатель может судить, что два звука, имеющие одинаковую громкость и высоту звука, различны». В примечании к определению 1960 года (стр. 45) добавляется, что «тембр зависит в первую очередь от спектра раздражителя, но также зависит от формы волны, звукового давления, частотного расположения спектра и временных характеристик раздражителя. ».

Спектр и тембр

Богатство звука или ноты, воспроизводимой музыкальным инструментом, обусловлено комбинацией ряда различных частот. Самая низкая частота называется основной частотой , а производимая ею высота звука используется для обозначения ноты. Например, в западной музыке инструменты обычно настраиваются на ля = 440 Гц. Другие частоты называются обертонами основной частоты, которые могут включать в себя гармоники и обертоны.

Гармоники — это целые числа, кратные основной частоте — х2, х3, х4 и т. д. Частичные — это другие обертоны. Большинство западных инструментов производят гармонические звуки, но многие инструменты производят частичные и негармонические тона.
При воспроизведении ноты оркестровой настройки звук представляет собой комбинацию частот 440 Гц, 880 Гц, 1320 Гц, 1760 Гц и т. д. Баланс амплитуд различных частот отвечает за характерное звучание каждого инструмента. Это используется в синтезе FM.

Основной тон не обязательно является самым сильным компонентом общего звука. Но это подразумевается существованием гармонического ряда — ля вверху можно было бы отличить от ля октавой ниже (220 Гц, 440 Гц, 660 Гц, 880 Гц) по наличию третьей гармоники, даже если основная нечеткий. Точно так же высота звука часто выводится из негармонических спектров, предположительно посредством процесса отображения, попытки найти наиболее близкое гармоническое соответствие. Можно добавить к звуку искусственные «субгармоники» с помощью электронных эффектов, но, опять же, это не влияет на название ноты. Уильям Сетарес (2004) писал, что только интонация и вестерн равнотемперированный строй происходят из гармонических спектров. тембр большинства западных инструментов.

Другие соображения по поводу тембра

На тембр звука также сильно влияют следующие факторы: атака или интервал между приступами, затухание, сустейн, затухание и переходные процессы. Таким образом, это все общие элементы управления для пробоотборников. Например, если убрать атаку из звука фортепиано или трубы, то становится труднее правильно идентифицировать звук, так как звук удара молоточка по струнам или первый блат губ исполнителя весьма характерны для этих звуков. инструменты.

Тембр часто называют одним из фундаментальных аспектов музыки. Формально тембр и другие факторы обычно вторичны по отношению к высоте звука. «В значительной степени музыка Дебюсси возвышает тембр до беспрецедентного структурного статуса; уже в L’Apres-midi d’un Faune цвет флейты и арфы функционирует референциально», по словам Джима Самсона. Превосходит Дебюсси Klangfarbenmelodie и превосходит его использование звуковых масс.

Эриксон дает таблицу субъективных переживаний и связанных с ними физических явлений, основанную на пяти атрибутах Схоутена:

Часто слушатели могут определить тип инструмента даже в «условиях изменения высоты тона и громкости, в разной обстановке и с разными исполнителями». В случае кларнета акустический анализ форм волны показывает, что они достаточно нерегулярны, чтобы предположить наличие трех инструментов, а не одного. Дэвид Люс предполагает, что это означает, что «должны существовать определенные сильные закономерности в форме акустической волны вышеупомянутых инструментов, которые инвариантны по отношению к вышеуказанным переменным».

Однако Роберт Эриксон утверждает, что закономерностей немного и они не объясняют нашу «способность узнавать и отождествлять». Он предлагает заимствовать из исследований зрения и зрительного восприятия понятие субъективного постоянства.

Изучение музыкального цвета и тембра

Посмотрите вместе «Фантазию» или «Фантазию 2000». Отметьте, что многие аспекты музыки влияют на образы, выбранные исполнителями: мелодия, гармония, ритм, громкость, темп (насколько быстро звучит музыка). Тембр также сильно влияет на некоторые варианты выбора. Например, в последовательности «Микки Маус/Ученик чародея» (в обоих фильмах) тихий звук деревянных духовых инструментов ассоциируется с заколдованной метлой, в то время как более плавный звук струнной секции ассоциируется с водой, а грохот тарелок превращается в гром и грохот волн.

Какие еще примеры учащиеся могут отметить, когда определенный звуковой цвет ассоциируется с изображением или персонажем?
Чтобы познакомить учеников с цветами определенных инструментов, организуйте экскурсии на концерты, где ученики смогут увидеть, какой инструмент издает какие звуки.

Для учащихся, которые достаточно взрослые или обладают достаточным музыкальным опытом, чтобы начать изучать цвета всех инструментов оркестра, «Путеводитель Бриттена для молодежи по оркестру» — отличное место для начала. Многие оркестры представят это произведение на «концерте для молодежи», а некоторые из этих концертов включают в себя «музыкальный зоопарк», где студенты могут поближе познакомиться с инструментами.

Для детей младшего возраста может быть более подходящим представление или запись «Петя и волк», в которой используется меньшее количество инструментов. Учащиеся старшего возраста, которые могут распознавать тембр большинства инструментов, могут получить удовольствие от игры «назови этот инструмент» с музыкальным произведением, в котором используется множество различных инструментов в быстрой последовательности. Неплохим выбором для этой игры являются «Родео» Копленда, начало «Весны священной» Стравинского, Симфония № 6 Бетховена и «Планеты» Холста.

Цвет музыки